Tableau Ancien M. Moretti Foggia '900 Cabanes de Montagne Huile - Cabanes de montagne

Château de Tarasp 1960

Huile sur carton. Signé et daté en bas à droite. L'artiste d'origine romaine Cesare Maggi s'est imposé comme peintre paysagiste pointilliste, représentant des paysages alpins de l'Engadine et de la Vallée d'Aoste, souvent égayés par l'inclusion de personnages et d'animaux. Devenu ami du peintre Giacomo Grosso à Turin en 1901, il s'oriente alors avec succès vers le genre du portrait, mettant de côté la technique pointilliste. Tout en préférant toujours les vues de haute montagne, il élargit ses sujets en s'adonnant également aux marines et aux natures mortes. Voici la vue enneigée du château de Tarasp, une forteresse du XIe siècle située en Basse-Engadine en Suisse. Il s'agit d'une œuvre tardive de l'artiste, qui est cependant resté jusqu'au bout lié à son sujet de prédilection, le paysage alpin, bien qu'il ait désormais abandonné la technique pointilliste de ses débuts. L'œuvre est présentée dans un cadre d'époque.

Paysage de Montagne

Peinture à l'huile sur toile. Signé en bas à gauche. Le peintre milanais Gino Federici s'est spécialisé dans les vues alpines, comme dans cette vue, où au premier plan un troupeau de moutons boit l'eau d'un ruisseau, dans la large vallée, sous des sommets abrupts. Le tableau est présenté dans un cadre contemporain. Il présente des signes d'une restauration antérieure.

Peinture à l'huile sur toile. Non signé, on trouve au dos du cadre une étiquette avec attribution à Ferdinand II Wagner (1847 -1927), peintre allemand apprécié pour la peinture décorative. Le grand tableau offre, selon un goût ancien, un aperçu d'un marché urbain dans un village nordique, avec des personnages en vêtements flamands du XVIIe siècle. La partie centrale est occupée par un étal rempli de fruits et légumes : à gauche, la vendeuse, assise avec la charpente suspendue au-dessus d'elle, négocie avec le couple d'acheteurs de droite, avec l'intention de tester la qualité des produits. Le tableau est présenté dans un cadre d'époque.

Figure au repos 1969

Stylo sur papier. Signé en bas à droite. Accompagné d'une photo d'authentification des archives de Mario Tozzi. Dans l'importante production du maestro Tozzi, il existe de nombreux dessins, comme celui présenté ici, réalisés avec différentes techniques (encre, pastel, crayon, sanguine), dédiés à la figure humaine : dans son style sec et stylisé, Mario Tozzi trace des contours stylisés, raffinés figurines dans leur géométrie silencieuse et discrète, favorisée par l'absence de couleur, qui fait ressortir les formes sur le papier blanc.Même dans sa production picturale, les sujets de prédilection de Mario Tozzi sont, classiquement, les figures et les natures mortes, mais aussi bien les figures que la mort sont un ensemble d'éléments géométriques solides, la sphère, le cylindre, le cône, etc. Les corps sont élémentaires, essentiels dans les lignes et les détails, puissants, sculpturaux, composés de solides juste modélisés, tandis que les natures mortes sont une célébration de la géométrie euclidienne comme les cruches, bols, flacons qui sont des paradigmes de volume et de rigueur géométrique. Les compositions de Mario Tozzi sont influencées par le Cubisme pour certaines coupes, par la Métaphysique pour certaines insertions architecturales et par l'Abstraction pour l'insertion de figures géométriques. L'oeuvre est présentée dans un cadre.

Paysage d'hiver

Caryons couleurs sur papier appliqués sur toile. Signé en bas à gauche. Le grand paysage est complètement dominé par le jeu de la couleur : divisé en deux hémichamps donnés par le ciel et la terre (un terrain montagneux où poussent sporadiquement des sapins), il voit prévaloir le bleu rosé du ciel, sous le bleu verdâtre de la neige au sol, deux nuances d'une même gamme de couleurs qui se rejoignent ensuite dans l'horizon des montagnes. Cinotti était un peintre paysagiste représentant du divisionnisme italien, dont la peinture se caractérise par une application matérielle et pâteuse avec des touches de couleur spatulée. Dans un cadre contemporain.

Sur le canapé d'argent pâle 1911

Lithographie en couleurs sur papier vélin. Le titre en bas à gauche. Sur le passe-partout le nom et la mention "lithographie originale". Il s'agit de la planche n.10 de la série "Amour", créée en 1899 par l'artiste français et inspirée des poèmes d'amour que Denis a écrits pour sa future épouse, Marthe Meurier. Quelques répliques de la série initiale ont été réalisées, dont celle sur papier de soie datée de 1911. Maurice Denis, peintre français, s'est formé artistiquement en coïncidence avec la naissance du mouvement symboliste qui l'a fortement influencé, s'imposant par sa simplicité et par sa philosophie d'un art qui était une synthèse entre le monde extérieur et la spiritualité de l'artiste. Dans ses premières œuvres, le style pictural est naturaliste et néo-impressionniste, mais tend au fil du temps vers un décorativisme pur, caractérisé par des aplats de couleur et des contours nets. En 1888, à l'Académie Julian à Paris, Maurice Denis fonde avec Paul Sérusier, Pierre Bonnard et Paul Ranson, le groupe de peintres Nabis (Prophètes), groupe qui s'inspire des œuvres et de la poétique de Paul Gauguin dans leurs idéaux esthétiques., pour le dépassement du naturalisme impressionniste par un retour à l'art primitif et japonais. Des rencontres Nabis, habituellement tenues à la rédaction de la revue "Revue Blanche" ou à l'Académie Ranson, Denis appréciait particulièrement le climat mystique, le jargon ésotérique et le surnom que chaque peintre recevait du groupe : Denis était appelé "le Nabi par les belles photos". Comme "Nabi" Maurice Denis peignait des tableaux intimes et énigmatiques et les thèmes de sa peinture, à caractère religieux ou des situations de la vie quotidienne, étaient portés dans une dimension idéale et irréelle, dans une atmosphère d'intimité chaleureuse et sereine, obtenue avec une extrême trait délicat. Une constante dans sa vie a été la profession de foi catholique, qui a toujours eu pour lui un rôle prioritaire. Il reçut de nombreuses commandes pour la décoration d'églises et cela le fit revenir à la grande tradition de la peinture murale en exécutant des fresques solennelles de structure monumentale, inspirées d'un catholicisme littéraire. La ferveur religieuse conduit Maurice Denis à fonder, en 1919, les Ateliers d'Art Sacré, consacrant beaucoup de temps à la prière, à tel point qu'il devient le tertiaire de San Domenico, sans l'isoler du monde, pour lequel il participe dans la vie sociale de l'époque. En plus de sa vaste production de peintre, Denis était un grand dessinateur et illustrateur. Jusqu'à sa mort, Maurice Denis a continué à peindre dans une interprétation moderne de la grande peinture ancienne, soutenu par sa forte veine artistique, continuellement alimentée par ses voyages, dont beaucoup en Italie, qui l'ont amené à entrer en contact direct avec les Préraphaélites. et les néoclassiques.

Paysage avec Soleil

Fresque sur toile. Signé en bas à droite. Autre signature et technique au dos. Située dans le naturalisme informel émilien, la peinture de Bruno Saetti se distingue par un amour significatif pour la matière picturale, riche et consistante, pâteuse et fermentante, mais aussi ouverte aux modulations de vibration lumineuse. Sa série de "fresques"avec le Soleil comme sujet dominant est riche, comme dans cette œuvre, qui présente un grand soleil éclatant brillant sur un fond rouge brique, au-dessus d'un paysage indéfini, où seule une basilique est reconnaissable en haut à droite. . Si l'origine émilienne de Saetti est évidente dans les tons chauds des briques rouges et dans le goût très particulier du matériau (la fresque préférée), en revanche la contamination vénitienne est reconnaissable (Saetti a vécu longtemps à Venise) dans son s'attarder sur la couleur, sur ses vibrations lumineuses, sur la sensation d'émerveillement étonné de l'espace. L'œuvre est présentée dans un cadre.

Figures Féminines

Huile sur toile. Signée en bas à gauche. La production artistique de Mino Maccari est principalement axée sur la satire sociale et politique, exprimée surtout par le dessin ; cependant, il ne s'est jamais posé en juge des coutumes italiennes, mais plutôt en chroniqueur amusant et divertissant des vices et des faiblesses de la société. Dans sa production picturale, s'il ne s'éloigne pas trop des thèmes de ses dessins, il en accentue davantage l'aspect fantastique : avec des coups de pinceau rapides et décisifs et des couleurs vives, souvent violentes, il caractérise des figures presque irréelles ou plutôt caricaturales. L'œuvre est présentée dans un cadre.

Saint-Georges 1992

Huile sur table. Signé en bas à droite. Au dos, en cyrillique, il y a le titre, la date et le lieu à Bergame. L'artiste lituanien, qui vit et travaille actuellement entre Moscou, l'Italie et le Royaume-Uni, est considéré comme l'un des artistes russes contemporains les plus importants. Dans sa grande production, il y a des paysages, des natures mortes, de nombreux portraits de personnes célèbres et ses compositions surréalistes, expression de sa "vision onirique" particulière de la réalité. Toujours dans ce tableau, bien que dans le style des icônes traditionnelles, la représentation du célèbre Saint-Georges est proposée dans une clé surréaliste qui fait référence à De Chirico, où une oie se substitue au dragon, la tête du saint est un œuf, en décrire là , ils sont les chiffres de magiciennes ..... une interprétation clairement peu orthodoxe! La planche a une fente verticale. L'oeuvre est présentée dans un cadre.

Tempera, crayon et fusain sur papier. Signé au dos. Le dessin est enregistré dans les archives Fausto avec le code DIS 84020. Fausto Melotti était un artiste aux multiples facettes et très prolifique et il est presque impossible de lier sa production à une technique ou à un thème particulier, sans fournir qu'une vue partielle de sa vision artistique. Les traits saillants qui sont constants chez Melotti sont la géométrie, l'étude de l'abstraction, qui l'amène à utiliser des éléments réalistes mais non scientifiquement exacts, et à disposer les éléments de manière à ce qu'ils rappellent un rythme musical, un détail qui fait référence à sa formation de musicien. Sculpteur, peintre, musicien, poète, il réalise de nombreux dessins de conception pour ses œuvres. Le dessin représentait pour lui un exercice fondamental, pour transfuser le trait graphique originel des feuilles de papier dans les sculptures et les céramiques. Les sculptures pour lesquelles il est le plus connu sont constituées d'éléments géométriques réalisés avec des métaux (laiton, fer et or) travaillés en filaments fins, donnant vie à des compositions éthérées, en apesanteur et presque fragiles. L'oeuvre est présentée dans un cadre.

Composition avec Pain et Tomates

Huile sur toile. Signé en bas à droite. Au dos on retrouve le cachet de l'artiste sur le cadre. La peinture de De Bernardi s'inscrit dans la tradition paysagère lombarde des XIXe et XXe siècles. Il a toujours vécu à Besozzo, sa ville natale dans la province de Varèse, mais il a beaucoup voyagé, en Italie et hors d'Italie, collectant des impressions et recherchant de nouveaux paysages pour les revivre dans son travail. Il privilégie la production paysagère, même si elle s'exprime avec un style changeant dans ses différentes phases picturales. Les natures mortes ne manquent pas dans sa production, remontant principalement aux années 1940, des compositions scrupuleusement conçues visant à aborder les problèmes de lumière et de profondeur atmosphérique avec agilité et fraîcheur, comme dans cette présentation de pain et de tomates sur une table rustique. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre.

Huile sur toile. Ecole d'Europe du Nord du début des années 1900. Signature non identifiée en bas à droite. Le paysage représente un aperçu d'une campagne inculte, avec des parcelles de végétation, des prairies pleines de bruyères, traversées par un chemin qui se dirige vers les collines voisines, en passant à côté d'une écurie. L'œuvre présente une petite coupure en haut au centre. Il est présenté dans un cadre.