Dessin Contemporain Fausto Melotti Tableau Crayons sur Papier Cadre - Projet de Sculptures

Tempera, crayon et fusain sur papier. Signé au dos. Le dessin est enregistré dans les archives Fausto avec le code DIS 84020. Fausto Melotti était un artiste aux multiples facettes et très prolifique et il est presque impossible de lier sa production à une technique ou à un thème particulier, sans fournir qu'une vue partielle de sa vision artistique. Les traits saillants qui sont constants chez Melotti sont la géométrie, l'étude de l'abstraction, qui l'amène à utiliser des éléments réalistes mais non scientifiquement exacts, et à disposer les éléments de manière à ce qu'ils rappellent un rythme musical, un détail qui fait référence à sa formation de musicien. Sculpteur, peintre, musicien, poète, il réalise de nombreux dessins de conception pour ses œuvres. Le dessin représentait pour lui un exercice fondamental, pour transfuser le trait graphique originel des feuilles de papier dans les sculptures et les céramiques. Les sculptures pour lesquelles il est le plus connu sont constituées d'éléments géométriques réalisés avec des métaux (laiton, fer et or) travaillés en filaments fins, donnant vie à des compositions éthérées, en apesanteur et presque fragiles. L'oeuvre est présentée dans un cadre.

Crayon sur papier. Signé au dos. Le dessin est enregistré dans les archives Fausto Melotti, avec le code DIS 72006. Fausto Melotti était un artiste aux multiples facettes et très prolifique et il est presque impossible de lier sa production à une technique ou à un thème particulier, sans fournir qu'une vue partielle de sa vision artistique . Les traits saillants qui sont constants chez Melotti sont la géométrie, l'étude de l'abstraction, qui l'amène à utiliser des éléments réalistes mais non scientifiquement exacts, et à disposer les éléments de manière à ce qu'ils rappellent un rythme musical, un détail qui fait référence à sa formation de musicien. Sculpteur, peintre, musicien, poète, il réalise de nombreux dessins de conception pour ses œuvres. Le dessin représentait pour lui un exercice fondamental, pour transfuser le trait graphique originel des feuilles de papier dans les sculptures et les céramiques. Les sculptures pour lesquelles il est le plus connu sont constituées d'éléments géométriques réalisés avec des métaux (laiton, fer et or) travaillés en filaments fins, donnant vie à des compositions éthérées, en apesanteur et presque fragiles. L'oeuvre est présentée dans un cadre.

Sans Titre

Technique mixte : photographie retravaillée avec applications de cire et superposition de panneau de plexiglas peint. Eva Petrič, une artiste d'origine slovène qui travaille actuellement entre New York, Vienne et Ljubljana, crée des photographies, des vidéos, des performances et des installations, dans lesquelles le but est de "créer un espace", qui peut être un espace physique, plutôt qu'un , imaginaire. ou métaphorique plutôt que réel. Dans ses productions c'est souvent elle-même, son corps ou son ombre, le personnage sur lequel elle élabore alors une « vision » particulière, un thème, superposant d'autres éléments différents pour créer une nouvelle dimension spatiale. Attaché à l'œuvre, extrait du catalogue relatif à l'exposition d'Eva Petrič à la galerie Suppan à Vienne en 2007

Château de Tarasp 1960

Huile sur carton. Signé et daté en bas à droite. L'artiste d'origine romaine Cesare Maggi s'est imposé comme peintre paysagiste pointilliste, représentant des paysages alpins de l'Engadine et de la Vallée d'Aoste, souvent égayés par l'inclusion de personnages et d'animaux. Devenu ami du peintre Giacomo Grosso à Turin en 1901, il s'oriente alors avec succès vers le genre du portrait, mettant de côté la technique pointilliste. Tout en préférant toujours les vues de haute montagne, il élargit ses sujets en s'adonnant également aux marines et aux natures mortes. Voici la vue enneigée du château de Tarasp, une forteresse du XIe siècle située en Basse-Engadine en Suisse. Il s'agit d'une œuvre tardive de l'artiste, qui est cependant resté jusqu'au bout lié à son sujet de prédilection, le paysage alpin, bien qu'il ait désormais abandonné la technique pointilliste de ses débuts. L'œuvre est présentée dans un cadre d'époque.

Peinture à l'huile sur toile. Non signé, on trouve au dos du cadre une étiquette avec attribution à Ferdinand II Wagner (1847 -1927), peintre allemand apprécié pour la peinture décorative. Le grand tableau offre, selon un goût ancien, un aperçu d'un marché urbain dans un village nordique, avec des personnages en vêtements flamands du XVIIe siècle. La partie centrale est occupée par un étal rempli de fruits et légumes : à gauche, la vendeuse, assise avec la charpente suspendue au-dessus d'elle, négocie avec le couple d'acheteurs de droite, avec l'intention de tester la qualité des produits. Le tableau est présenté dans un cadre d'époque.

Peinture à l'huile sur toile. Signé Bertolotti en bas à droite. Il offre un aperçu d'une forêt, avec des plantes clairsemées et hautes et un sous-bois plein de rochers recouvert d'une pelouse verte ; à travers les arbres, une entaille s’ouvre au centre, inondée de lumière, encadrant des sommets escarpés. Le tableau, à fort impact scénographique, est présenté dans un cadre contemporain.

Étude Suspension1992

Technique mixte sur papier. titre mais lisible en bas ; au dos, cachet de l'artiste avec signature, date et titre (Pour poissons - Suspension Studio). Caccioni, artiste né, formé et vivant toujours à Bologne, est l'un des protagonistes d'une génération qui a aujourd'hui atteint une maturation linguistique définitive et occupe une place importante dans le panorama artistique contemporain. Ses recherches utilisent principalement des matériaux inhabituels tels que les acétates, le PVC et, plus récemment, des fonds de scène d'œuvres théâtrales du XIXe siècle, sur lesquels il intervient en peignant des formes tirées de sa mémoire personnelle et de suggestions provenant de différentes cultures et périodes historiques. Un élément récurrent dans l'œuvre de Luca Caccioni est l'écriture, signe signifiant qui conçoit l'œuvre et est capable de raconter des pensées ; Travaillant par superposition, les images sont construites par addition ou soustraction de couleur sur les différents supports. Encadré.

Vis à Vis 1963

Technique mixte (feutre, aquarelle) sur papier. signé et daté en bas à droite. Jean Cocteau était un artiste aux multiples facettes : écrivain, dramaturge, dramaturge, il s'est également intéressé aux arts visuels, aimant expérimenter toutes les avant-gardes de son siècle. Cocteau publie son premier livre de dessins en 1923, à seulement 36 ans. Le poète y met en scène ses amis Raymond Radiguet, Pablo Picasso, Erik Satie, Francis Poulenc, mais aussi de nombreuses scènes de la vie quotidienne parisienne, les ballets russes de Nijinski, des allégories, des caricatures, des images poétiques. Cocteau se révèle être un dessinateur de talent, mais surtout un artiste capable de capter l'essence des visages, des comportements et des faiblesses humaines. Dans sa production picturale revient le thème du visage, ou plutôt des visages, souvent deux profils se faisant face, face à vis. En 1962, l'artiste achève la création du théâtre de plein air à Cap d'Ail, sur la côte méditerranéenne française, dont le sol est décoré de ce sujet, deux visages au profil grec se faisant face, avec un œil interposé ; le sujet fut ensuite repris par lui dans la période suivante - d'ailleurs proche de sa mort subite -, avec diverses variantes. Dans le dessin présenté ici on retrouve les deux profils grecs, séparés par le troisième œil mais aussi par deux serpents tordus, tandis que dans le dessin du théâtre il y a des feuilles. L'œuvre est présentée dans un cadre.

L'Ange de la Mort 1979

Huile sur panneau. Signé et daté en bas à gauche. Signature supplémentaire, date et titre au dos. La production artistique d'Angelo Peratici se caractérise par un désir de liberté d'expression qui s'appuie sur sa fervente imagination pour représenter la réalité. Partant de cette volonté innée de transfigurer le réel, son art s'est transformé en un laborieux processus de recherche, fécond d'images métaphoriques et visionnaires, parfois grotesques, farfelues, que l'on voit se créer notamment dans la production du début des années 1980.

Sans Titre

Huile sur linoléum, avec applications en polystyrène recouvertes de papier d'aluminium. Signé au dos. Accompagné de l'authentification des archives Aldo Mondino. L'artiste éclectique turinois Aldo Mondino a articulé sa recherche artistique à travers des métamorphoses continues qui ont rendu sa production polymorphe : une tentative incessante de trouver une réponse personnelle aux transformations qui se produisaient dans les années 70, en essayant de faire cohabiter l'histoire de l'art avec les images. de consommation de masse, de fantasmes personnels, de religion, de classicisme, de mysticisme, de voyages en Orient, d'amis et de kitsch. Son besoin obstiné d'expérimenter les matériaux - comme le café, les friandises, le sucre, les chocolats fondants de son bien-aimé Piémont, les guimauves importées d'Amérique, le bronze, les fleurs, le Bic strictement bleu, la céramique et les tapis Héraclite - démontre sa capacité à apporter l'art, l'artisanat, la vie commune, la nature et la religion dans le dialogue. Le tout assaisonné d’ironie, pour démasquer les conventions avec grâce. Dans les années 1980, Aldo Mondino entreprit un voyage entre le Maroc et la Palestine qui le marqua profondément, au point de donner naissance à la série d'œuvres des Derviches, sujets dansants peints sur linoléum, qui pratiquent la danse rituelle caractéristique de la tradition turque. en effectuant des mouvements fluides et circulaires. L'œuvre est présentée dans un cadre.

Vol de Canard

Sculpture en bronze. Signature gravée sur la base. Gino Masciarelli, sculpteur originaire des Abruzzes mais qui a vécu dans la région de Milan, après avoir travaillé également au Centre Expérimental de Recherche Scientifique « F. Marinotti» en Lombardie, spécialisé dans la prise de vue cinématographique à haute fréquence, a appris à capter l'instabilité des corps en mouvement et la dissolution de la matière dans l'espace dans nombre de ses œuvres. Dans les sculptures « Groupes humains » et « Vols » - auxquelles appartient l'œuvre présentée ici -, le dynamisme du vol peut être observé presque comme s'il s'agissait d'une séquence photographique. L'artiste lui-même a déclaré : "Seulement 8 secondes ont marqué sur 300 mètres de film, le but était de ralentir ce que l'œil humain ne peut pas voir, je voulais capturer le mouvement et la projection de ces secondes a duré quelques heures" .

Paysage avec Soleil

Fresque sur toile. Signé en bas à droite. Autre signature et technique au dos. Située dans le naturalisme informel émilien, la peinture de Bruno Saetti se distingue par un amour significatif pour la matière picturale, riche et consistante, pâteuse et fermentante, mais aussi ouverte aux modulations de vibration lumineuse. Sa série de "fresques"avec le Soleil comme sujet dominant est riche, comme dans cette œuvre, qui présente un grand soleil éclatant brillant sur un fond rouge brique, au-dessus d'un paysage indéfini, où seule une basilique est reconnaissable en haut à droite. . Si l'origine émilienne de Saetti est évidente dans les tons chauds des briques rouges et dans le goût très particulier du matériau (la fresque préférée), en revanche la contamination vénitienne est reconnaissable (Saetti a vécu longtemps à Venise) dans son s'attarder sur la couleur, sur ses vibrations lumineuses, sur la sensation d'émerveillement étonné de l'espace. L'œuvre est présentée dans un cadre.