Maternidad de Antonio Merente - Italia Primera mitad del siglo XX

Escuela flamenca del siglo XVII. Óleo sobre tabla. La santa penitente es reconocible por sus atributos, el frasco de ungüentos, el libro y la calavera. Firmado abajo a la izquierda "VD Werff". Sello de cera de exportación del siglo XIX en el reverso. Hay grietas longitudinales en la mesa. Presentado en un marco dorado de finales del siglo XIX.

El antiguo baptisterio de Gravedona

Lápiz y acuarela sobre papel. Firmado abajo a la izquierda. Del mismo tema pero con personajes, existe una versión sobre lienzo del artista milanés, conservada en el cívico Raccolta d'arte Museo dell'Ottocento de Villa Belgioioso Bonaparte, en Milán. Luigi Bisi se especializó en vistas interiores de iglesias de Lombardía, con predilección por la Catedral de Milán. La obra se presenta en un marco.

Estatua masculina, mediados del siglo XIX.

Herma de un joven representada al estilo romano, según el gusto clásico en boga hasta mediados del siglo XIX. Realizada en mármol blanco de Carrara.

Composición con Pan y Tomates

Óleo sobre lienzo. Firmado abajo a la derecha. En la parte trasera lleva el sello del artista en el marco. La pintura de De Bernardi se inscribe en la tradición paisajística lombarda del siglo XIX y XX. Vivió siempre en Besozzo, su ciudad natal en la provincia de Varese, pero viajó mucho, dentro y fuera de Italia, recogiendo impresiones y buscando nuevos paisajes para revivirlos en su obra. Prefería la producción paisajística, aunque expresada con un estilo cambiante en sus distintas fases pictóricas. No faltan los bodegones en su producción, que se remonta principalmente a los años 40, composiciones escrupulosamente diseñadas destinadas a abordar los problemas de la luz y la profundidad atmosférica con agilidad y frescura, como en esta presentación de unos panes y tomates sobre una mesa rústica. Restaurada y revestida, la pintura se presenta enmarcada.

Estudio de Suspensión 1992

Técnica mixta sobre papel. título pero legible en la parte inferior; al dorso, sello del artista con firma, fecha y título (Pour poissons - Studio suspension). Caccioni, artista que nació, se formó y aún vive en Bolonia, es uno de los protagonistas de una generación que ha alcanzado ahora una maduración lingüística definitiva y ocupa un espacio importante dentro del panorama artístico contemporáneo. Su investigación utiliza principalmente materiales insólitos como acetatos, PVC y, más recientemente, fondos escénicos de obras teatrales del siglo XIX, sobre los que interviene pintando formas extraídas de una memoria personal y de sugerencias procedentes de diferentes culturas y épocas históricas. Un elemento recurrente en la obra de Luca Caccioni es la escritura, signo autosignificativo que diseña la obra y es capaz de narrar pensamientos; Trabajando por superposición, las imágenes se construyen mediante suma o resta de color en los distintos soportes. Trabajar en marco.

Vis à Vis 1963

Técnica mixta (rotulador, acuarela) sobre papel. firmado y fechado abajo a la derecha. Jean Cocteau fue un artista polifacético: escritor, dramaturgo, dramaturgo, también incursionó en las artes visuales, amando experimentar con todas las vanguardias de su siglo. Cocteau publicó su primer libro de dibujos en 1923, con sólo 36 años. En él, el poeta retrató a sus amigos Raymond Radiguet, Pablo Picasso, Erik Satie, Francis Poulenc, pero también numerosas escenas de la vida cotidiana parisina, los ballets rusos de Nijinski, alegorías, caricaturas e imágenes poéticas. Cocteau resulta ser un dibujante talentoso, pero sobre todo un artista capaz de captar la esencia de los rostros, los comportamientos y las debilidades humanas. En su producción pictórica se repite el tema del rostro, o más bien de los rostros, a menudo dos perfiles enfrentados, vis à vis. En 1962 el artista completó la creación del teatro plein air de Cap d'Ail, en la costa mediterránea francesa, cuyo pavimento está decorado con este tema, dos rostros de perfil griego enfrentados, con un ojo interpuesto; El tema fue propuesto nuevamente por él en el período siguiente, además en el período cercano a su muerte repentina, con diversas variaciones. En el dibujo que aquí presentamos encontramos los dos perfiles griegos, separados por el tercer ojo pero también por dos serpientes retorcidas, mientras que en el dibujo del teatro hay hojas. La obra se presenta en un marco.

Óleo sobre lienzo. Escuela del norte de Europa de principios del siglo XX. Firma no identificada abajo a la derecha. El paisaje representa un atisbo de paisaje inculto, con manchas de vegetación, prados llenos de brezos, atravesado por un camino que se dirige hacia las colinas cercanas, pasando junto a una cuadra. La obra tiene un pequeño corte en la parte superior central. Se presenta en un marco.

Las Alegrías de la Madre

Óleo sobre lienzo. Principios de 1900. El cuadro recuerda con bastante detalle la obra del mismo nombre pintada hacia 1866. del pintor emiliano Gaetano Chierici, artista que se consagró por una gran producción de escenas de la vida campesina, plasmadas en interiores rústicos, interpretadas a través de una íntima adhesión sentimental y un claro realismo formal, que hablan de un pequeño mundo feliz y siempre serena, incluso a menudo alegre a pesar de la pobreza, porque carece de cualquier intención de denuncia social, sino que representa el concepto feliz de familia que tenía el artista. Estos cuadros suyos tuvieron tanto éxito entre la burguesía de la época que fueron reproducidos varias veces en el propio taller del artista y posteriormente también en otros pintores. Chierici casi siempre ambienta la escena en el interior de una humilde cocina campesina, llena de objetos descritos hasta el más mínimo detalle, poblada por niños absortos en sus actividades cotidianas, mientras los adultos los miran felices y divertidos: en esta escena ambientada en un lugar pobre, un Mujer sentada hilando, sonriente y tiernamente divertida, mira a sus dos pequeños hijos, el mayor que, de pie, le roba el chupete al pequeño que yace en el suelo sobre una cama de mantas, que extiende sus manitas hacia su objeto. de placer. La obra, primer lienzo, se presenta en un marco de madera tallada y dorada de finales del siglo XIX.

La máscara

Óleo sobre lienzo. Principios de 1900. el cuadro retoma con bastante detalle la obra del mismo nombre pintada en 1869 por el pintor emiliano Gaetano Chierici, un artista que se consagró por una gran producción de escenas de la vida campesina, plasmadas en interiores rústicos, interpretadas a través de una íntima adhesión sentimental y un claro realismo formal, que hablan de un pequeño mundo feliz y siempre sereno, incluso a menudo alegre a pesar de la pobreza, porque está desprovisto de cualquier intención de denuncia social, sino más bien representativo de la feliz concepción de familia que tenía el artista. Estos cuadros suyos tuvieron tanto éxito entre la burguesía de la época que fueron reproducidos varias veces en el propio taller del artista y posteriormente también en otros pintores. Chierici casi siempre ambienta la escena en el interior de una humilde cocina campesina, llena de objetos descritos hasta el más mínimo detalle, poblada por niños absortos en sus actividades cotidianas, con adultos que los miran felices y divertidos: aquí vemos al niño en el que entra de repente. cocina, con una máscara grotesca en el rostro y asustando así a su hermana pequeña, que abandona su comida para correr y agarrarse a las faldas de su madre, ocupada junto al hogar, que regaña a su hijo mientras blande el cucharón. La obra ha sido restaurada y revestida. Se presenta en un marco de madera tallada y dorada de finales del siglo XIX.

Óleo sobre lienzo, aplicado sobre tabla. Escuela central italiana del siglo XVIII. Se representa el episodio evangélico en el que Jesús acoge a los niños en sí, exhortando a sus discípulos a no rechazarlos: "Dejad que los niños vengan a mí, porque de ellos es el Reino de los cielos". La escena está llena de figuras que se superponen y entrelazan: en primer plano Jesús, sentado a la derecha, abre los brazos para acoger a los niños que se acercan a él, empujados por sus madres; al fondo los discípulos, con Pedro reconocible en el centro tratando de empujar a un niño, pero su mirada se vuelve hacia Cristo, que los mira y los insta a acoger. Al fondo de la escena aparece algo de arquitectura, en particular destaca la pirámide que simbólicamente representa la tensión, el ascenso hacia arriba. El cuadro presenta una clara falta de lienzo en el centro, remendado fijando un panel de madera en la parte posterior. Tiene otras pequeñas huellas de restauración generalizadas. Se presenta en un marco del siglo XIX.

Retrato Femenino 1937

Óleo sobre lienzo. Rastro de firma en la parte inferior izquierda, firma completa al dorso, con la fecha. Formado en la escuela de Tallone, Moretti Foggia fue predominantemente un pintor paisajista, que proponía vistas realistas caracterizadas por una paleta cromática muy brillante y matérica, reproduciendo principalmente su Val d'Ossola natal. Pero su producción también incluye varios retratos, entre los que se encuentra el logrado de esta elegante y sonriente dama, retratos en los que es evidente la influencia de Cesare Tallone, en la pincelada y en el uso del color, así como en la atención a lo femenino. mundo. La pintura se presenta en un marco contemporáneo.